Unsere Lieblingsfotobücher des Jahres 2022

Zeitschrift

21. März 2023

Im Laufe des letzten Jahres trafen sich die Fotokuratoren des MoMA und Kollegen aus den Archiven, der Bibliothek und den Forschungssammlungen regelmäßig, um neue Fotobücher zu besprechen und Bücher von Künstlern auszutauschen, deren Werke wir gut kannten, sowie neue Entdeckungen, auf die wir zufällig gestoßen sind Stöbern auf Buchmessen. Einige haben wir gefunden, weil sie begleitend zu einer Ausstellung produziert wurden, während andere dem Publikum die einzige Möglichkeit boten, sich mit den auf ihren Seiten wiedergegebenen Bildern auseinanderzusetzen. Diese Liste von 10 Büchern ist das Ergebnis dieser Gespräche: eine Zusammenstellung von Veröffentlichungen aus nah und fern, von schmalen Bänden bis hin zu umfangreichen, mehrteiligen Boxsets.

Ende 2021 startete das Museum mit unserer ersten Favoritenliste eine jährliche Feier zum Fotobuch. Dieses Jahr haben wir mit der Veröffentlichung unserer Auswahl bis März gewartet, sodass wir Titel berücksichtigen konnten, die im gesamten Kalenderjahr 2022 veröffentlicht wurden. Diese Bücher sind jetzt Teil unserer Bibliothekssammlung und können auch im MoMA Design Store erworben werden. Im Folgenden erzählen wir Ihnen – in keiner bestimmten Reihenfolge – etwas darüber, warum uns jedes dieser Fotobücher so besonders beeindruckt hat.

Dieser Band der libanesischen Fotografin Rhea Karam ist kein Fotobuch im klassischen Sinne. Es enthält fotografische Bilder von Ziegeloberflächen, Drahtzäunen und Betonwänden, die die Formen, Farben und Texturen der New Yorker Architektur hervorbringen, aber die Fotos werden mit handgeschnittenen, gefalteten und gesprühten Passagen kombiniert gesättigte, lebendige Farbe. Karam erforscht das Konzept des Zusammenlebens in diesem städtischen Raum, in dem Menschen nebeneinander und in großer Dichte leben, sich ihr Leben jedoch selten überschneidet. In ihrem Buch durchbricht Karam diese Ebenen mit ausgeschnittenen, schrägen Seiten und deutet so die Möglichkeit neuer und unerwarteter Interaktionen an. Strukturierte Oberflächen verschmelzen, überlappen und konvergieren in einer Abfolge geschichteter Kompositionen. Karam ist daran interessiert, die Art und Weise zu erweitern, wie wir über Fotobücher denken – PARALLEL PLANES ist ebenso ein skulpturales Objekt wie ein Buch.–Michelle Elligott, Leiterin des Archivs, der Bibliothek und der Forschungssammlungen

Die Debütmonografie des in Los Angeles lebenden Fotografen und Filmemachers Clifford Prince King, Orange Grove, zeichnet die Zeit nach seinem Umzug in eine Wohnung in der East Orange Grove Avenue mit Malcolm Marquez, einem langjährigen Freund und Mitarbeiter, auf. Orange Grove war für King und seine Freunde ein Zuhause und ein sicherer Hafen. Wir werden daran erinnert, dass Sex und Intimität grundsätzlich eine Zusammenarbeit sind und dass Schlafzimmer auch Orte zum Träumen und zur Heilung sein können. Als Betrachter werden wir in ihr Zuhause eingeladen, einen häuslichen Raum, der durch liebevolle und bewegende Porträts von Freunden und Liebhabern neu definiert wird. Der warme Glanz der Fotografien lädt uns ein. Wir fühlen uns als Teil von Kings Erzählung, sicher innerhalb dieser Mauern der Verletzlichkeit, der queeren Intimität und der Selbsterforschung.– Jillian Suarez, Leiterin Bibliotheksdienste, Archive, Bibliothek und Forschungssammlungen

„Ich, Justine Kurland, bin ein Dreckskerl. Ich gedeihe in der stagnierenden Verschwendung Ihrer selbstgefälligen, langweiligen Fotografie.“ Dies sind die ersten Textzeilen, die auf dem Cover von Kurlands SCUMB-Manifest abgedruckt sind, als Hommage an Valerie Solanas‘ radikal-feministische Broschüre „SCUM-Manifest“ aus dem Jahr 1967. Während Solanas eine „Gesellschaft zum Zerschneiden von Männern“ (SCUM) befürwortete, tritt Kurland für das Zerschneiden ein ihre Bücher. Wenn Kurland ein X-Acto-Messer in ihre persönliche Sammlung von rund 150 Fotobüchern weißer männlicher Fotografen – Brassaï, Edward Weston, Phillip de Lorca, Lee Freidlander, Guy Bourdin, Robert Adams und William Eggleston, um nur einige zu nennen – holt, verwandelt sie sich in wertvolle Stücke Objekte eines männlich dominierten fotohistorischen Kanons zu einer Reihe von Fotocollagen. Kurlands ikonoklastische Geste, in der die zerschnittenen Bilder als orgiastisches Gewirr aus Körperteilen und Landschaften voller phantastischer Trümmer wieder zum Vorschein kommen, ist der jüngste Beitrag zu einer dynamischen Tradition feministischer Verwendung von Collage und Montage, die neue Betrachtungsweisen erfordert.—Caitlin Ryan, kuratorische Assistentin, Abteilung für Fotografie

„Tender Noted“ von Shala Miller ist mehr als nur ein Fotobuch zum Anschauen, es ist ein Fotobuch zum Fühlen, angefangen bei der Haptik des glatten Taschenbucheinbands. Das Buch ist eine ergreifende Meditation über Trauer und Verlangen und beleuchtet mehrere Projekte aus der multidisziplinären Praxis des Künstlers. Das Buch kombiniert Fotografien, Filmstills, Tagebucheinträge, Theaterstücke und Gedichte und ist nach dem Prinzip des Echos organisiert, wobei seine Themen von Cover zu Cover nachklingen.

Im Rückblick auf den Tod ihres Vaters und die unsägliche Gewalt gegen Schwarze in Amerika stellt die Künstlerin fest: „Der Trauer der Schwarzen bleibt einfach nicht genug Zeit. Und ganz sicher nicht in der Weise, in der Zeit für den Tod der Schwarzen nicht nur aufgewendet, sondern auch zu viel aufgewendet wird.“ Durch Bewegung und Pause erzeugen die vielfältigen Stimmen des Buches einen wogenden Rhythmus, der der Trauer – aber auch Freude und Widerstandskraft – den dringend benötigten Raum bietet. Verletzlichkeit ist der Refrain des Buches, wie er in Werken wie „Echo“ zu sehen ist, einem Raster aus eng beschnittenen Filmstills, die zeigen, wie der Mund des Künstlers die zarte Schale einer Weintraube abschält, oder die roten Ränder des Buchrückens, die auf die mysteriösen Kratzer auf dem Buchrücken des Künstlers anspielen Haut, ein Phänomen, das Miller untersuchen möchte. Der Prozess enthüllt ein vielschichtiges Liebeslied für die Familie, den Körper und die Erinnerung, das es wert ist, immer wieder angehört zu werden.—Tasha Lutek, Sammlungsspezialistin, Abteilung Fotografie

Die Trilogie „The Citadel“ von Mame-Diarra Niang besteht aus drei gestochen scharf gedruckten Publikationen in einem geprägten Schuber und erstreckt sich über den psychischen und physischen Raum und nutzt Ausblicke als Mittel zur inneren Erkundung. Durch Niangs einfühlsame Kompositionen – oft menschenleer und dennoch dicht gepackt – wandern wir durch die verlassenen Außenbezirke von Dakar, verweilen an den Oberflächen der eigentlichen Stadt und stürzen uns dann kopfüber in die Hektik des städtischen Lebens in Johannesburg.

Bei diesen Routen handelt es sich nicht um herkömmliche fotografische Landaufnahmen, sondern vielmehr um eine Meditation über das, was der Fotograf „die Plastizität des Territoriums“ genannt hat – eine Betrachtung der Landschaft, die die Artikulation des Selbst ermöglicht. Wie Niang sagte: „Die Zitadelle ist ein utopischer Ort; Es ist wie ein Speicher oder eine Bibliothek für meine Gedanken. Mein Körper ist ein Ort, an dem ich dazu verdammt bin, mich als Präsenz zu fühlen. Um ihm zu entkommen, existiert die Zitadelle. Es ist ein Körper ohne Körper... Ich lade dich in diesen leeren Raum ein. Wie Sie die Landschaft sehen, ist, wie Sie sich selbst sehen – es ist Ihre Form, Ihre Darstellung Ihrer selbst, wie ein Spiegel.“—Oluremi C. Onabanjo, stellvertretender Kurator, Abteilung für Fotografie

Auf dem Cover des Fotobuchs der in Japan geborenen Moe Suzuki gibt es eine subtile Anspielung auf die Natur ihres Projekts: ein unscharfes blau-goldenes Bild, das nach Definition schreit. Sokohi ist ein jahrhundertealter japanischer Begriff, der mit „Schatten im Gesäß“ übersetzt wird und eine häufige Beschreibung für Glaukom ist. Ausgehend von der Glaukomdiagnose ihres Vaters dokumentiert Suzuki die Parallelen ihres gemeinsamen Lebens: was sie sehen kann, was ihm entgeht, und was die Augen ihres Vaters wahrnehmen könnten, was sie nicht erkennen kann.

Die in einem spiralgebundenen Band veröffentlichten vollflächigen Fotografien sind Diptychen des Alltäglichen: Porträts, Seestücke, häusliche Szenen. Aber erst wenn Suzuki diese lineare Erzählung durchbricht, indem sie uns mit einer Abstraktion konfrontiert, wird die Qual ihres Projekts spürbar. Dabei handelt es sich nicht nur um bloße Darstellungen verlorener Sehkraft, sondern um Suzukis Versuch, uns – und sich selbst – dazu zu bringen, durch die sich verschlechternden Augen ihres Vaters zu sehen.—Alejandro Merizalde, Akquisitionsassistent, Archive, Bibliothek und Forschungssammlungen

„Ich schätze, ich mache fast einen Film, aber in Form von Fotopapier“, erklärt Kurt Tong. Er wurde 1977 in Hongkong geboren, studierte Fotografie in England und kehrte 2012 nach Hongkong zurück, um sich wieder mit seinen chinesischen Wurzeln zu verbinden. Tong ist international für zwei hochgelobte Bücher bekannt: The Queen, the Chairman and I (2019) und Combing for Ice and Jade (2019). In Dear Franklin, einer Mischung aus seinen Fotografien, Texten und Archivmaterialien (Briefe, Zeitschriften, Objekte usw.), zeichnet Tong das Privatleben eines fiktiven Mannes namens Franklin Lung auf, der in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts in China lebte . „Ich mag es, epische Momente der Geschichte durch ein einzigartiges Erlebnis festzuhalten“, erklärt Tong, „und irgendwie habe ich mich dafür für Fotobücher entschieden.“– Clément Chéroux, Direktor der Henri Cartier-Bresson Foundation und ehemaliger Chefkurator von Joel und Anne Ehrenkranz, Abteilung für Fotografie, MoMA

In Montaña roja dokumentiert der mexikanische Fotograf César Rodríguez das tägliche Leben in der vernachlässigten Bergregion Guerrero, Mexiko, wo der Mohnanbau für Heroin eine der wenigen Quellen für bezahlte Arbeit ist. Rodríguez bietet nüchterne Schwarz-Weiß-Porträts der Bewohner der Region und fängt Momente der Anbetung, spielender Kinder und des Mohnanbaus ein, während die Anwesenheit von Waffen die durch den Drogenhandel verursachte Gewalt andeutet. Eine 12-seitige Beilage enthält Gedichte von Hubert Matiúwàa, der in Me'phaa (Tlapaneco), einer indigenen Sprache von Guerrero, schreibt, mit spanischen und englischen Übersetzungen. „Montaña roja“ wurde vom peruanischen Fotobuchverlag KWY Ediciones in Lima herausgegeben und in Mexiko-Stadt produziert, wo jedes Buch in einer Auflage von 500 Exemplaren gefaltet und handgebunden im Akkordeonstil mit mohnrotem Faden gebunden wurde. Laut Herausgeber Musuk Nolte hat das innovative Design des Buches die verfügbaren Ressourcen optimal genutzt, ohne Abstriche bei der Qualität zu machen.– Ruth Halvey, Patricia Phelps de Cisneros Bibliographin für Lateinamerika, Archive, Bibliothek und Forschungssammlungen

Das in zwei Bänden veröffentlichte Epos Al río / To the River von Zoe Leonard zeichnet den 1.200 Meilen langen Abschnitt des Flusses Rio Grande/Rio Bravo nach, der die Grenze zwischen Mexiko und den Vereinigten Staaten markiert. Um eine geteilte Welt zu dokumentieren, verfolgt der Künstler aus einer „Halbbild“-Perspektive den Verlauf des Wassers von Ciudad Juárez, Mexiko, auf der einen Seite und El Paso, Texas, auf der anderen Seite flussabwärts bis zum Golf von Mexiko.

Der erste Band enthält Leonards exquisite Fotografien, die der Künstler und Buchdesigner Joseph Logan aus über 500 Gelatinesilberabzügen und 50 chromogenen Abzügen ausgewählt hat, die das gesamte Projekt umfassen. Der vom Dichter Tim Johnson herausgegebene zweite Band enthält eine Sammlung von Essays einer bemerkenswerten Gruppe von Künstlern, Journalisten, Wissenschaftlern und Dichtern. Softcover mit Klappen, eingepasst in einen Schuber, diese zweifache Publikation bildet ein komplexes Porträt der Grenzlandkultur und der politischen Realität der Einwanderung.—Roxana Marcoci, Senior-Kuratorin und amtierende Chefkuratorin von The David Dechman, Abteilung Fotografie

Welche Eigenschaften verkörpert das ideale Fotobuch? Scheinen die Bilder auf den gegenüberliegenden Seiten miteinander zu sprechen, als würden sie sich unterhalten? Passt die gesamte Bildfolge wie Glieder einer Kette zusammen? Der Hamburger Künstler Jochen Lempert schlägt in seinem Buch Paare/Pairs ein Modell vor, bei dem er alte und neue Bilder aus seinem Oeuvre in einer Art immer größer werdendem Ökosystem arrangiert. Lempert studierte Biologe, bevor er sich in den 1990er Jahren der Fotografie zuwandte, und er beschäftigt sich weiterhin mit der Natur – den Pflanzen und Tieren, mit denen wir auf diesem Planeten leben – als Thema seiner Arbeit. Wie Kuratorin Yasmil Raymond in dem Aufsatz, der diesen eleganten Band abschließt, feststellt: „Durch die Verwendung von Bildern, in denen die Welt kein Ort zum Einfangen, sondern ein Terrain der Korrespondenz ist, macht er Begegnungen mit der Natur und nichtmenschlichen Wesen sichtbar, in denen Übertragung und Koexistenz stattfinden.“ tritt ein."–Lucy Gallun, The Peter Schub Associate Curator, Abteilung für Fotografie

Finden Sie heraus, welche Bücher es auf die Eröffnungsliste des MoMA geschafft haben.

1. November 2021

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27. Mai 2020

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